Trompetistas

EL MEJOR TROMPETISTA!!!!

Arturo Sandoval




Arturo Sandoval ejecutanco una obra en jazz con un trompetista asombroso al igual que arturo...

Rubén Simeó, trompeta. Carnaval final. RTVE

Ruben Simeon
(8 Años)




Simeon un chico ejecutando un obra con un sinfonica a los 8 años de edad!!!

CONCIERTO DEL "CUARTETO DE CLARINETES ASTUR"

!!CARTETO DE CLARINETES!!!

Cuarteto de saxos The pink panther

!! CUARTETO DE SAXOS!!!

(Me gusta)

Guitarristas virtuosos.....Maestros! ( el Chino v/s el colorado)

!!!IMPRESIONANTE!!!!





Estos chicos enseñando a tocar guitarra electrica pero de una manera asombrosa!!!!!

Espectacular: El hombre orquesta

BEATBOX!!



Este muchacho es uno de los que hace sonidos de bateria con su propia vos!!!!!

Shuan Hern Lee "Flight of the Bumblebee" Child Piano Prodigy on Australi...

Este niño ejecutando el piano de una maner de estilo mozart a la edad de 7 años!!!!

TRES CLARINETES

Este cancion esta representada por la banda del mejor baritonista Ramon Benitez llamada Tres clarinetes...

ramon benitez/ el mejor

Ramon Benitez ejecutando fandango viejo en su casa!!!!!

TROMBON:

El trombón es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). Las diferentes notas se obtienen por el movimiento de un tubo móvil, denominado vara, alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo sonidos que también se pueden controlar con una mayor o menor presión del aire soplado por el intérprete en la vara, más se alarga la columna de aire y el sonido producido es más grave—cada posición bajo que la anterior. Sin embargo, también existen trombones con válvulas, aunque actualmente están en desuso. Al igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento metal, el trombón de varas es de latón, y consiste en un tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo.

Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa, y desde el siglo XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica. También se utiliza en las bandas y en la música de jazz, donde, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas. En la familia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños. En la orquesta se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo.

Tipos de trombón

puede clasificar según el sonido particular que emite y por tanto las notas y claves que le cambia la altura de las notas utilizando un sistema de válvulas y pistones. El sonido es distinto y exagera cualquier imprecisión en la entonación.


Trombón soprano
Trombón alto.
Trombón tenor (usual)
Trombón bajo
Trombón contrabajo
Trombón Buccin

TROMPETA:

La trompeta es un instrumento musical de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento-metal o metales, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). La trompeta, comúnmente, está afinada en si ♭ (bemol), es decir, un tono por debajo de la afinación real (también hay trompetas afinadas en fa, en do, en la y en mi ♭ (bemol)).

El músico que toca la trompeta recibe el nombre de trompetista.


Mecanismo

Pistón «al aire» o no pulsado.
Pistón pulsado.La trompeta está construida con un tubo, de latón generalmente, doblado en espiral de aproximadamente 180 cm de largo, con diversas válvulas o pistones, que termina en una boca acampanada que recibe el nombre de campana o pabellón. Los dos primeros tercios del tubo son prácticamente cilíndricos, lo que le proporciona un sonido fuerte y brillante, al contrario de lo que ocurre con la corneta y el fliscorno, que poseen un tubo cónico y producen un tono más suave. El otro tercio restante es un tubo cónico, excepto en los últimos 30 cm, en los que el tubo se ensancha para formar la boca en forma de campana. El calibre es una serie compleja de vueltas, más pequeñas en el receptor de boquilla y más grande justo antes del comienzo de la campana. El diseño cuidadoso de estas vueltas es crítico para la entonación de la trompeta.[1]

Como con todos los instrumentos de metal, el sonido es producido por el aire que se sopla a través de los labios cerrados, obteniendo un «zumbido» en la boquilla y comenzando una permanente ola de vibración en la columna de aire en el interior de la trompeta. El trompetista puede seleccionar la ejecución de una gama de matices armónicos o cambiando la apertura y tensión del labio ejercida sobre la boquilla (conocida como la embocadura).

BAJO ELECTRICO:

El bajo eléctrico (creado por Paul Tutmarc)[nota 1] (también llamado sencillamente bajo)[nota 2] [nota 3] es un instrumento de cuerdas, pulsadas fundamentalmente con los dedos índice, medio y pulgar de la mano derecha, o mediante el empleo de púa. Otras técnicas alternativas son el "slapping", el "popping", el "tapping", o el "thumping".

El bajo eléctrico es similar en apariencia y construcción a la guitarra eléctrica, pero con un cuerpo de mayores dimensiones, un mástil de mayor longitud y escala y, normalmente, cuatro cuerdas afinadas según la afinación estándar del contrabajo,[nota 4] o lo que es lo mismo, una octava más grave que las cuatro cuerdas graves de la guitarra (mi, la, re, sol).[nota 5] El bajo eléctrico, al igual que el contrabajo, suena una octava más grave de como se representa en notación musical, con el objetivo de evitar un uso excesivo de líneas adicionales en el pentagrama.Como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a un amplificador para emitir sonidos. Desde los años cincuenta, el bajo eléctrico ha reemplazado progresivamente al contrabajo en la música popular como el instrumento de la sección rítmica que se ocupa de las líneas de bajo.[1] Aunque éstas varían notablemente en función del estilo de música, el bajista cumple una función similar con independencia del estilo de que se trate: establecer el marco armónico y marcar el tiempo o pulso rítmico.[nota 6] El bajo eléctrico se usa como instrumento de acompañamiento o como instrumento solista en estilos de música diversos, incluyendo el rock, el heavy metal, el pop, el blues el jazz, la música latina, el reggae, el funk o el flamenco.

Años treinta
A mediados de la década de los treinta, el inventor y guitarrista Paul Tutmarc, de Seattle (Washington), desarrolló el primer bajo eléctrico de cuerpo macizo de la historia, un instrumento muy similar a los bajos que conocemos hoy en día que había sido diseñado para ser sostenido y ejecutado horizontalmente.[2] En 1935, el catálogo de ventas de la compañía de Tutmarc, Audiovox, ofrecía su "violín-bajo electrónico", un instrumento de cuerpo sólido con un mástil de 30 pulgadas y media que disponía de trastes.[3]

El cambio de forma, acercándolo a una guitarra, hizo al instrumento más fácil de transportar, y la adición de los trastes eliminó los problemas de afinación propios del contrabajo, haciendo del bajo eléctrico un instrumento mucho más fácil de ejecutar que éste último. Sin embargo, el invento de Tutmarc no tuvo demasiado éxito, por lo que su idea no fue retomada hasta principios de los años cincuenta.


Una reedición del Precision bass de 1956, muy similar al modelo de 1951, el primer bajo eléctrico comercializado con éxito.[editar] Los años cincuenta y sesenta
Durante los años cincuenta, Leo Fender, (a pesar de no haber creado el bajo eléctrico, sino que le dio una forma mas moderna y tecnológica) con la ayuda de su empleado George Fullerton, desarrolló un bajo eléctrico producido en serie por primera vez en la historia.[4] Su Precision Bass, introducido en 1951 se convertirá en el estándar de la industria y sería infinitamente copiado con posterioridad. El Precision bass (o "P-bass") original disponía de un cuerpo angulado ("slab" o "de tabla") similar al de la guitarra Telecaster y una sola pastilla de bobinado simple, pero en 1957 se modificó su diseño para presentar un cuerpo de contorno redondeado con una pastilla doble de cuatro polos. Esta pastilla "split" (dividida) estaba formada de dos partes similares a las pastillas de las mandolinas que Fender incluía en su catálogo de la época.[5] Dado que cada bobina presentaba una polaridad invertida respecto a la otra y que las cabezas de las bobinas estaban también invertidas la una respecto a la otra, las dos bobinas producían un "efecto humbucker" similar al que se obtiene cuando se usan bobinas en paralelo.[6]

Monk Montgomery fue el primer bajista conocido en usar el nuevo instrumento en su gira con el vibrafonista de jazz Lionel Hampton.[7] Otros bajistas pioneros en el uso del nuevo instrumento fueron Roy Johnson, (que reemplazó a Montgomery en la banda de Hampton) o Shifty Henry (bajista de Louis Jordan & His Tympany Five). Bill Black, bajista de Elvis Presley adoptaría el Precision Bass en torno a 1957.[8]


Rickenbacker 4001.Tras el lanzamiento de Fender, Gibson presentó en 1953 su modelo EB-1, con forma de violín y pica, seguido de su modelo EB-0, de aspecto más convencional. El EB-0 era, de hecho, muy similar a la Gibson SG, aunque los primeros modelos disponían de un cuerpo "Slab" (sin contornos) que lo asemejaban más a la conocida guitarra Les Paul, de Gibson. [9] Mientras que los bajos de Fender montaban pastillas situadas entre la base del mástil y el puente, muchos de los primeros bajos de Gibson mostraban una sola pastilla de tipo "humbucker" montada directamente bajo la base del mástil. El modelo EB-3, de 1961 contaba además con una pastilla adicional, de tipo humbucker pero de tamaño reducido, situada cerca del puente del instrumento.[10] Gibson mostraba cierta tendencia a fabricar instrumentos de dimensiones reducidas y, de hecho, no presentó un bajo de escala estándar (34 pulgadas) hasta 1963, con el lanzamiento de su modelo Thunderbird, que fue, además, el primer bajo de Gibson que utilizaba dos pastillas "humbucker" situadas en una posición más tradicional, entre el puente y la base del mástil.


Gibson EB-3.Otras compañías más pequeñas iniciaron sus actividades durante los años cincuenta: Kay Musical Instruments en 1952, Danelectro en 1956,[11] y Rickenbacker o Höfner durante el resto de la década. Pero fue con la explosión del rock, a principios de 1960 cuando numerosas compañías comenzaron a fabricar bajos eléctricos.

Introducido en 1960, el Fender Jazz Bass fue presentado junto a la guitarra Jazzmaster como el modelo "Deluxe" del Precision.[12] El Jazz bass (o J-bass) disponía de dos pastillas de bobinado simple, una cercana al mástil y la otra en la posición que ocupaba la pastilla simple del Precision. El modelo fue diseñado por Leo Fender para proporcionar a los guitarristas un instrumento aún más fácil de ejecutar que el Precision, dadas las dimensiones más pequeñas de su mástil.[nota 7] Los primeros ejemplares contaban con cuatro controles (volumen y tono para cada una de las pastillas), pero esta configuración pronto cambiaría en favor de la actual: un control de volumen para cada pastilla y un control de tono pasivo general. Otro elemento que diferenciaba el nuevo modelo era el diseño asimétrico de su cuerpo.[13]

La configuración de pastillas de ambos modelos, así como el diseño general de los mismos, se ha convertido en un estándar de referencia, y así, es común hacer referencia a la configuración de pastillas de un instrumento determinado como "Pastillas Precision" o "Pastillas Jazz".[14]

Fender lanzó seis años más tarde su modelo Mustang Bass, un instrumento de escala corta (30 pulgadas frente a las 34 del P-bass o del J-bass) y precio reducido dirigido principalmente al mercado de principiantes y estudiantes.[15]

Durante los años cincuenta y sesenta el bajo eléctrico era frecuentemente llamado "bajo Fender", gracias a la posición dominante que la corporación ejercía en el mercado.[16] El término "bajo eléctrico" comenzó a reemplazar al de "bajo Fender" a finales de la década de 1960, como resulta evidente en el título de un manual didáctico editado por la bajista Carol Kaye en 1969, muy popular en la época: How to Play the Electric Bass.[17] [nota 8]

[editar] Los años setenta

Music Man Stingray. La posición de la pastilla hace de este bajo un instrumento ideal para "slappers".Los años 70 asistieron a la fundación de la compañía Music Man por parte de Leo Fender, cuyo buque insignia era el modelo Stingray, el primer bajo producido en serie con electrónica activa, esto es, con un preamplificador incorporado que permite disminuir la impedancia de la circuitería de la pastilla incrementando el volumen de salida y posibilitando la ecualización activa del instrumento. Distintos modelos se fueron identificando con estilos de música particulares, y, así, el modelo 4001 de Rickenbacker se asociaba con bajistas de rock progresivo como Chris Squire de Yes, mientras que el Stingray de Music man se identificaba con el estilo funk del bajista de sesión Louis Johnson.[18]

En 1971, Alembic estableció el patrón que identificaría a lo que desde entonces se ha venido en llamar "boutique basses", instrumentos de gama alta y elevado precio construidos a medida de los requerimientos específicos del cliente. Este tipo de instrumentos suelen mostrar sofisticados diseños y elaborada electrónica, y, con frecuencia, están construidos con maderas preciosas (o con otros materiales alternativos como el grafito) por luthiers especializados. Se suelen usar técnicas de construcción innovadoras como el diseño "Neck-thru" multilaminado, donde el mástil, en lugar de estar atornillado al cuerpo lo recorre en su integridad.[19] [20] Desde mediados de los setenta, Alembic y otras compañías (como Tobias o Ken Smith Basses) comenzaron a producir bajos de cuatro y cinco cuerdas (una cuerda extra afinada en si grave);[21] en 1975 el bajista Anthony Jackson encargó al luthier Carl Thompson la realización de un bajo de seis cuerdas,[22] afinado si, mi, la, re, sol, do, que pasaría a la historia como uno de los primeros instrumentos de rango extendido.

[editar] De 1980 en adelante

Uno de los primeros bajos Steinberger, de principios de 1980.Con la llegada de los años ochenta, luthieres e ingenieros continuaron explorando nuevas posibilidades. Ya en 1979, Ned Steinberger había presentado un bajo sin cabezal ni cuerpo, y más tarde continuaría con sus investigaciones, como el uso de materiales alternativos como el grafito, o la palanca de trémolo para el bajo, presentada en 1984.[23] En 1987 la compañía Guild lanzó su modelo Ashbory, un instrumento fretless de dimensiones reducidísimas (escala de 18 pulgadas) que usaba cuerdas de silicona y una pastilla piezoeléctrica, y que ofrecía una simulación más que aceptable del sonido del contrabajo acústico.[24] A finales de la década de los ochenta el show "Unplugged" de la cadena musical norteamericana MTV ayudó a popularizar los bajos acústicos, de caja hueca pero amplificados mediante pastillas.[25]

Durante los años noventa los bajos de cinco cuerdas se fueron haciendo progresivamente más comunes y accesibles, y un número cada vez mayor de bajistas (de géneros tan dispares como el metal y el gospel) comenzaron a utilizarlos para aprovechar sus nuevas posibilidades. De modo paralelo, la circuitería activa dejó de estar reservada a los instrumentos de gama alta para ir siendo incorporada progresivamente a instrumentos de series más económicas.[26]

Durante la década siguiente, algunos fabricantes incluían circuitos de modelado digital incorporados directamente en sus instrumentos, con los que pretendían simular los sonidos característicos de los bajos más conocidos (ej: Variax Bass, de la firma Line 6). A pesar de estas innovaciones, los diseños tradicionales prevalecieron entre el público general, y los modelos Precision y Jazz de Fender continuaron contando con su favor.[27] En el 2006, Fender celebró el 60.º aniversario de su P-bass con una reedición especial de su famoso instrumento, al tiempo que presentaba su modelo Jaguar.[28]

[editar] Consideraciones de diseño
[editar] Materiales y diseño de construcción
Hoy en día, al lado de los instrumentos fabricados en cadena de montaje ofrecidos por las compañías tradicionales, asistimos a una enorme proliferación de instrumentos fabricados artesanalmente por luthieres individuales. Aunque la madera sigue siendo la materia prima fundamental para la fabricación del cuerpo de los instrumentos, también se usan otros compuestos alternativos como el grafito (véase Steinberger o Modulus), especialmente en la construcción de mástiles y diapasones. La madera más común para la fabricación del cuerpo es el aliso, mientras que el arce se emplea con profusión en la fabricación de mástiles y el palo rosa para los diapasones. Otras maderas de uso común son: caoba, fresno, arce, tilo americano y álamo para el cuerpo; caoba para el mástil; y arce, palorosa o ébano para el diapasón.[29] Entre las maderas exóticas o preciosas usadas en la fabricación de estos instrumentos, encontramos la bubinga, el wenge, el ovangkol, el zebrawood o el ébano.[30] El uso de estas maderas está normalmente reservado a instrumentos de gama alta: por ejemplo, la compañía Alembic usa frecuentemente madera de cocobolo para los cuerpos y tapas de sus instrumentos por su atractivo granulado; la firma alemana Warwick Basses es también conocida por las originales maderas que emplea en la construcción de sus instrumentos, ovangkol en el mástil, wenge o ébano en el diapasón y bubinga para el cuerpo.[31]


Fender Mustang Bass de 1971, un bajo de escala corta.El grafito o la fibra de carbono se usan para elaborar mástiles de peso reducido (una estrategia empleada por ejemplo por Modulus o Peavey, para construir sus modelos "G-Bass" o "B-Quad", con mástil de grafito o, en algunos casos, instrumentos completos)[32] [33]

Entre las opciones de fabricación, encontramos las opciones de acabado (acabados en cera, en aceite o lacados) o las opciones de cuerpo (esculpidos según un diseño plano o curvo); la presencia o no de cabezal o cuerpo (véase Steinberger); el uso de materiales sintéticos como el "luthite", que permite técnicas de producción y diseño más allá de lo que permite la madera (véase Basslab); o el uso de orificios en el cuerpo del instrumento, para incrementar la resonancia y reducir el peso del instrumento. Los bajos acústicos están equipados normalmente con pastillas piezoeléctricas o magnéticas que permiten la amplificación del instrumento, dado su reducido volumen natural.

El mástil puede estar atornillado al cuerpo (bolt-on), o puede ser del tipo neck-thru body. Algunos bajistas atribuyen a los bajos de mástil atornillado un sonido más brillante, mientras que de los instrumentos de mástil continuo (neck-thru body) se afirma que poseen un mayor sustain.[34] En cualquier caso, el sonido final de un instrumento dependerá de muchos otros factores además del tipo de mástil (tipo de maderas, electrónica. etc.)

Los bajos de escala larga, como los Precision Bass de Fender ofrecen una escala (distancia entre la nuez y el puente del instrumento) de 34 pulgadas, que es considerada la escala estándar del bajo eléctrico.[35] Sin embargo son bastante comunes instrumentos de escala corta, habitualmente de 30 o 32 pulgadas, como el "bajo-violín" de Höfner que popularizó Paul McCartney o el Mustang Bass, de Fender, ambos diseñados especialmente para músicos de manos pequeñas o principiantes.[36] Aunque los bajos de 35, 35,5 ó 36 pulgadas de escala estaban reservados hace unos años a los instrumentos de luthier, hoy día existen muchos fabricantes que incluyen instrumentos de escala "extra larga" en sus catálogos. Esta longitud extra de escala provoca una mayor tensión en las cuerdas, que redunda en un sonido más claro y definido, sobre todo en las regiones graves del diapasón y en instrumentos de 5 y 6 cuerdas.[37]

CLARINETE:

El clarinete es un instrumento musical de la familia de los aerófonos. Dentro de la orquesta se encuentra en la sección del viento-madera, junto a la flauta, el oboe, el corno inglés, el fagot y el saxofón.

Historia
El clarinete tiene su origen en un antiguo instrumento popular francés: el chalumeau, que era un instrumento de lengüeta simple con 7 agujeros. En el siglo XVII un clarinetista alemán llamado Johann Christoph Denner le agregó una llave para el pulgar de la mano izquierda (portavoz), que permitía producir una nueva gama de sonidos, una duodécima por encima de la nota original. Esto marca el comienzo de la evolución del instrumento hasta su estado actual, en el que hay fundamentalmente dos tipos de clarinetes según el mecanismo: el sistema Boehm usado en casi toda Europa, Asia y América y el Öhler utilizado en Alemania, Austria y algunos países de ese entorno.

Igualmente el clarinete ha participado de la revolución musical que supuso, y supone, el jazz. Desde su integración incontestable en las primeras agrupaciones jazzísticas y en las big bands hasta la existencia de grandes instrumentistas de jazz que tomaron el clarinete como vehículo de expresión.

TIPOS DE CLARINETES:

Existe toda una familia de clarinetes según el registro: desde sopraninos afinados en mi bemol o fa, hasta octocontrabajos afinados en si bemol. Los más utilizados son:

el sopranino en mi bemol (también llamado requinto y pitu montañés en Cantabria),
soprano en do, si bemol y en la,
alto o contralto (en mi bemol),
bajo (en si bemol) y
contrabajo en si bemol.
Además hemos de agregar dos tipos de clarinetes muy utilizados durante el clasicismo musical (que son justamente los utilizados en la mayor parte de las obras de Mozart):

el clarinete di bassetto (afinado en la), y
el corno di bassetto (afinado en fa).
En los inicios, y debido a la dificultad del clarinete para poder interpretar en tonalidades con varias alteraciones, por su primitivo estado de evolución, era frecuente la utilización de tres clarinetes: do, si bemol y la, dependiendo de la tonalidad de la obra o movimiento. Aún hoy son habituales, fundamentalmente en el repertorio operístico y en la música contemporánea.

Casi todos estos instrumentos son transpositores. La razón más plausible es que, tras la evolución del clarinete en los siglos XIX y principios del XX, al adquirir la capacidad para tocar en todas las tonalidades, el clarinete soprano en do (hoy en desuso) era demasiado estridente, por su gran contenido de armónicos agudos, por lo que se prefirió el clarinete en si bemol (el más empleado) y en la (con una sonoridad mucho más dulce y oscura que el clarinete en si bemol). Una vez fijado el soprano de la familia, los demás miembros se establecieron en relación a éste.

Descripción
El clarinete pertenece, al igual que la flauta, el oboe y el fagot, a la familia orquestal del viento-madera. Es un aerófono de lengüeta simple. Se construye en madera,[1] ebonita[2] o ABS y su perfeccionamiento, en el siglo XIX, con un sistema de llaves mejorado le situó en un lugar privilegiado entre los instrumentos. La belleza de su timbre lo hace apto para interpretar pasajes como solista además de ser un instrumento de enorme agilidad.

Se compone de:

Una boquilla (que normalmente está fabricada en ebonita o en cristal) con una lengüeta (o caña) sencilla sujeta a ella por una abrazadera.
Un tubo de orificio cilíndrico compuesto por varias piezas de madera dura (ébano o granadilla) o resina sintética llamadas barrilete, cuerpo superior y cuerpo inferior. En los cuerpos superior e inferior existen agujeros y llaves, que se tapan o se presionan con los dedos, algunos agujeros se cierran con las llaves presionadas o sin presionar.
Un pabellón o campana.

SAXOFON:

El saxofón, también conocido como saxófono, saxo o simplemente sax,[1] es un instrumento musical cónico de la familia de los instrumentos de viento-madera, generalmente hecho de latón y consta de una boquilla con una caña simple al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax a mitad de los años 1840. El saxofón se asocia comúnmente con la música popular, la música de big band y el jazz. A los intérpretes del instrumento se les llama saxofonistas[2] o saxos.[1]

Es desconocido el origen de la inspiración que le llevó a crear el instrumento, pero la teoría más extendida es que percibiendo las imperfecciones del clarinete, se dedicó a remediarlas y empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades de uno de madera. Después de un intenso trabajo de pruebas y experimentos sobre modificaciones para lograr una mayor calidad de sonido y resolver algunos de los problemas acústicos del clarinete, Sax consiguió crear lo que después se llamó el saxofón.

HISTORIA

El saxofón fue creado a mitad de la década de 1840 por Adolphe Sax, e introducido en la música orquestal por Jules Massenet en sus óperas Manon y Werther.[15]

Adolphe Sax era un fabricante de instrumentos, flautista y clarinetista nacido en Dinant (Bélgica) que trabajaba en París. Mientras estaba trabajando en la tienda de instrumentos de su padre en Bruselas, Sax comenzó a desarrollar un instrumento que tenía la proyección de un instrumento de viento-metal con la movilidad de un instrumento de viento-madera. Otra prioridad era crear un instrumento que, aunque similar al clarinete, pero transitado una octava, a diferencia del clarinete, que eleva su altura doce tonos cuando transita. Un instrumento que transita una octava tendría idéntica digitación para ambos registros. Esto también permite a los saxofonistas hacer un mejor uso de los sobretonos.

Antes de su trabajo en el saxofón, Sax hizo varias mejoras al clarinete bajo mejorando sus llaves y acústica y ampliando su registro inferior. Sax era también un fabricante de figles, en aquella época muy populares y que eran instrumentos de metal grandes y cónicos de registro grave con llaves similares a las de instrumento de viento madera. Su experiencia con estos dos instrumentos le permitió desarrollar las habilidades y las tecnologías necesarias para fabricar los primeros saxofones. Adolphe Sax creó un instrumento con una boquilla de caña sola como un clarinete, de cuerpo cónico de cobre como un figle y las propiedades acústicas de la flauta.

A principios de los años 1840, Sax había construido varios saxofones de diferente tamaño y recibió una patente de 15 años para el instrumento el 28 de junio de 1846.[16] La patente abarcó a 14 versiones del diseño fundamental, dividido en dos categorías de siete instrumentos cada una, desde el sopranino al contrabajo. En el grupo previsto por Sax para obras orquestales, los instrumentos transpuestos afinados en fa o en do, mientras que para "banda militar" el grupo incluyó instrumentos que alternaban entre mi♭ y si♭. El saxofón soprano orquestal era el único instrumento que sonaba a una altura normal. Sax dio a todos los instrumentos un registro escrito inicial de si, por debajo del fa agudo tres líneas adicionales por encima del pentagrama, dando a cada saxofón un registro de dos octavas y media.

La patente de Sax expiró en 1866.[17] A partir de entonces numerosos saxofonistas y fabricantes de instrumentos pusieron en práctica sus propias mejoras al diseño y llaves del instrumento. La primera modificación sustancial hecha por un fabricante francés consistió en una ligera ampliación de la campana y añadió una llave suplementaria para ampliar el registro hacia abajo en un semitono al si♭. Se sospecha que el propio Sax puede haber intentado esta modificación. Este suplemento fue adoptado en casi todos los diseños modernos.

El conjunto original de llaves de Sax era muy simplista y dificultó la interpretación de algunos pasajes legato y amplios intervalos sumamente difíciles de tocar. Entonces numerosos fabricantes añadieron llaves suplementarias y digitación alterna para hacer más sencilla la interpretación cromática. Mientras los primeros saxofones tenían dos aberturas de ventilación de octava separadas para facilitar la interpretación de los registros superiores, tal como hacen los instrumentos modernos, los intérpretes del diseño original de Sax tuvieron que manejar estas dos llaves de octava separadas con el pulgar izquierdo. Un avance sustancial en el conjunto de llaves del saxofón fue el desarrollo de un método por el cual ambos agujeros de tono son manejados por una llave de octava sola con el pulgar izquierdo, y que es ahora universal en todos los saxofones modernos.

Uno de los cambios más radicales efectuados al instrumento, aunque temporal, fueron las revisiones del conjunto de llaves del saxofón realizado en los años 1950 por M. Houvenaghel de París, que renovó completamente la mecánica del sistema para permitir una serie de notas (do♯, si, la, sol, fa y mi♭) para reducir un bemol con un semitono simplemente bajando el dedo corazón de la mano derecha. Esto permitía interpretar una escala cromática más de dos octavas simplemente interpretando la escala diatónica combinando alternativamente la subida y bajada de dicho dedo.[18] Sin embargo, este conjunto de llaves nunca tuvo mucha popularidad y ya no está en uso.

Instrumentos relacionados

Varios saxofones rectos y poco comunes. En el sentido de las agujas del reloj, un saxofón barítono recto en mi♭, un saxofón tenor recto en si♭, un soprano recto en do, un soprano en si♭ y un soprillo en si♭.Han aparecido numerosos instrumentos relacionados con el saxofón desde que Adolphe Sax presentara su trabajo original, la mayoría sin ningún éxito significativo. Se incluyen entre éstos el saxello, similar al soprano recto pero con una ligera curvatura en el tudel y una campana inclinada; el alto recto; y el tenor recto (actualmente solo fabricados por L.A. Sax Company).[23] Teniendo en cuenta que el tenor recto mide aproximadamente 1,5 metros de largo, el engorroso tamaño de semejante diseño dificulta dos cosas: tocarlo (especialmente cuando uno está sentado) y transportarlo. Los saxellos "King" (Rey), fabricados por H. N. White Company en la década de 1920, alcanzan en la actualidad un precio de 4.000 dólares. Muchas compañías, incluyendo Rampone & Cazzani y Woodwind and Brasswind, están comerciando sopranos rectos con campana inclinada como saxellos (o "sopranos saxellos"). Dos de estas variantes fueron auspiciadas por el músico de jazz Rahsaan Roland Kirk, que llamó a su alto recto stritch y a su saxello modificado manzello. Este instrumento único tenía una campana más grande de lo habitual y un teclado modificado.

El tubax, desarrollado en 1999 por el fabricante de instrumentos alemán Benedikt Eppelsheim, reproduce el mismo registro y con la misma digitación que un saxofón contrabajo afinado en mi♭. Sin embargo, aunque es del mismo calibre es más estrecho que el saxofón contrabajo, haciéndolo un instrumento más compacto y con un sonido más "juncoso" (comparable al contrabajo de doble caña llamado sarrusofón). Puede ser interpretado con la boquilla y caña más pequeña (y más comúnmente disponible) del saxofón barítono. Eppelsheim también ha fabricado la tubax subcontrabajo afinada en do y en si♭, siendo éste el saxofón más bajo que se haya construido. Entre los desarrollos más recientes se encuentra el aulocromo, un doble saxofón soprano inventado por el fabricante de instrumentos belga François Louis en 2001.[24]

Otra variante inusual del saxofón fue el Conn-O-Sax, un instrumento recto afinado en fa (un tono por encima del alto en mi♭) con un tudel ligeramente curvado y una campana esférica. El instrumento, que combinaba el calibre y teclado del saxofón con una campana similar a la del heckelfón, intentaba imitar el timbre del corno inglés y fue producido solo entre 1928 y 1930. El instrumento tenía un registro que iba desde la bajo hasta sol alto.



Conjuntos de saxofones

El cuarteto de saxofones Python Saxophone Quartet en la apertura del Heiner Goebbels Festival de 2008 en La Haya (Países Bajos).
Banda de saxofonistas en las afueras del Convento de Santa Rosa de Ocopa, en la región Junín, Perú.El saxofón es mucho más conocido, e icónico, por su papel en la música jazz moderna. Por lo general, suele ser interpretado por un saxofonista solista acompañado por una sección de ritmo, aunque a veces puede formar un cuarteto o ser parte de una big band.

El cuarteto de saxofón por lo general está compuesto por un saxofón soprano y un tenor en si♭ y un alto y un barítono en mi♭ (conocidos por las siglas SATB), aunque en ocasiones el soprano es sustituido por un segundo alto (conocidos por las siglas AATB). Algunos cuartetos profesionales de saxofón han destacado por tener una instrumentación no estándar, como el Alto Quartet de James Fei, compuesto por cuatro altos,[29] y la Bluiett Baritone Nation de Hamiet Bluiett, con cuatro barítonos.

Existe un repertorio de composiciones clásicas y arreglos para la instrumentación SATB que remonta al siglo XIX, en particular de los compositores franceses que conocían a Adolphe Sax. Los cuartetos de saxofones Raschèr,[30] Amherst,[31] Aurelia,[32] Amstel y Rova están entre los mejores grupos conocidos. Históricamente, los cuartetos dirigidos por Marcel Mule y Daniel Deffayet, profesores de saxofón en el Conservatorio de París, que comenzaron en 1928 y 1953, respectivamente, han sido muy recordados. El cuarteto de Mule es a menudo considerado el prototipo de todos los cuartetos futuros debido al alto nivel de virtuosismo demostrado por sus miembros y su papel principal en el desarrollo del repertorio para cuarteto. Sin embargo, ya existían cuartetos organizados antes del conjunto de Mule, como por ejemplo el primer cuarteto encabezado por Eduard Lefebre, antiguo saxofón solista de la banda de John Philip Sousa en Estados Unidos desde 1904 hasta 1911. Probablemente, también existieron otros conjuntos en este época como parte de las secciones de saxofón de muchas bandas turísticas "de negocio" que existieron a finales del siglo XIX y comienzos del XX. A finales de la década de 1970, el World Saxophone Quartet se ha hecho conocido como un cuarteto de saxofón de jazz preeminente. El Rova Saxophone Quartet, ubicado en San Francisco, es destacado por su trabajo en los campos de la música clásica contemporánea y la música improvisada.

Existen algunos conjuntos con todos los saxofones más grandes, entre los que destaca la SaxAssault de 9 miembros,[33] y Urban Sax, que incluye al menos a 52 saxofonistas. La Nuclear Whales Saxophone Orchestra de 6 miembros posee uno de los pocos saxofones contrabajo en mi♭ e interpretan una variedad de piezas para conjunto, incluyendo "Casbah Shuffle"", un dúo para sopranino y contrabajo.[34] En ocasiones, se realizan interpretaciones de grupos de más de 100 saxofonistas en convenciones de saxofones

Hombre orquesta


Un hombre orquesta es un músico que toca varios instrumentos musicales al mismo tiempo usando sus manos, pies, miembros y varias aparatos mecánicos. El tipo de hombre orquesta más simple es un cantante acompañado de una guitarra acústica y una armónica montada en una estructura metálica debajo de la boca a menudo usada por músicos callejeros. Sistemas más complicados pueden incluir instrumentos de viento atados con correas al cuello, un gran bombo montado en la espalda del músico con un golpeador el cual es conectado a un pedal de pie, platillos atados con correas entre las rodillas o accionados por mecanismos de pedal, Panderetas y maracas atado a los miembros, e instrumentos de cuerda atados a los hombros (e.g., un banjo, ukulele o guitarra). Desde el desarrollo de la Interface Digital de Instrumentos Musicales (MIDI) en la década de los 80, músicos han también incorporado almohadillas de percusión MIDI montados en el pecho, gatillos para batería electrónica montado en los pies, y pedalier electrónico.

Orquesta sinfónica


La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos (como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda). Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de ochenta músicos en su lista, sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser tocada, y el tamaño del lugar en donde ocurrirá la presentación.

El término orquesta se deriva de un término griego que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa "lugar para danzar".

Origen

Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la utilización de unos recursos, como los llamados crescendo y diminuendo Mannheim (que en realidad no fueron invención de los miembros de este grupo), la alta exactitud en la dirección y la precisión interpretativa. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacaron una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportes al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las realizaciones.
[editar] Instrumentos de una orquesta sinfónica
Esquema de colocación de los instrumentos de una orquesta sinfónica.

La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas proporciones indicadas):

* Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot.

* Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba,

* Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales, caja, bombo, platos, xilófono, triángulo, celesta, claves, gong, campanas, glockenspiel o lira, caja china, castañuelas, pandero etc

* Cuerdas: de 16 a 30 violines o más, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa, guitarras y piano.

Cada sección de la orquesta tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos, que ha venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se colocan los instrumentos de percusión y el piano.

De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón de la orquesta y nunca se renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo estándar. Por ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se encuentra.
[editar] Director de orquesta

El director de la orquesta cumple una función clave en la orquesta sinfónica, e incluso de la formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la vida y obra de los compositores.

El director no aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando realmente se establecieron los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos. Antes era el primer violín (concertino), el Clavecinista u Orgnanista quien dirigía (Continuista), y actualmente se encargan de afinar el conjunto y de la colocación del director dentro del campo visual de los intérpretes. El solista en las obras se sitúa junto al director.

Algunos directores hacen uso de una pequeña vara llamada batuta. Es una vara corta y delgada con la que los directores se asisten en su tarea. Antiguamente, la batuta era más voluminosa de lo que es ahora.

Algunos directores de orquesta famosos son: Bernard Haitink Carlos Kleiber, Herbert von Karajan, Leonard Bernstein, Arturo Toscanini, Wilhelm Furtwängler, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Pierre Boulez, Zubin Mehta, Georg Solti, Gustavo Dudamel, Eduardo Marturet, Enrique Gimeno, Sergiu Celibidache, Ramón Torrelledó, John Williams, Leopold Stokovsky, Gregorio Ivan Portillo Favela, Riccardo Muti.

Orquesta Sinfónica Filarmónica de Viena: es una orquesta sinfónica de Austria, a menudo considerada como una de las mejores del mundo. Su sede está en el mundialmente famoso Musikverein. Los miembros de la orquesta son escogidos de la Orquesta de la Ópera Estatal de Viena. Este proceso es muy largo, con cada músico probando su capacidad por un mínimo de tres años tocando para la Ópera y el Ballet. Una vez pasado este tiempo pueden solicitar a la Plana de la Wiener Philharmoniker ser considerados para obtener un puesto en la orquesta.

Orquesta Sinfónica Filarmónica de Berlín: La Orquesta Filarmónica de Berlín (alemán: Berliner Philharmoniker, siglas: BPO) es una de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo. Su actual Director Titular es Simon Rattle, que es conocido por su apoyo a la música clásica contemporánea. La BPO también es base de varios conjuntos de música de cámara. Fue creada en 1882, y desde 2002 es una Fundación de Derecho Público, de la que es titular el land de Berlín. Los fondos para la organización son subsidiados tanto por la ciudad de Berlín con el patrocinio del Deutsche Bank.

Orquesta Sinfónica Imperial: es una de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo y su sede se encuentra en el Auditorio Imperial en Kírov, Rusia. La Imperial Orchestra (conocida mundialmente de esta forma) fue fundada en el año 2000 por Alejo Mihajlovic. Actualmente es la orquesta más grande del mundo con 396 músicos y dos directores a la misma vez. Antes de ser integrante de la orquesta se pasa por una rigurosa prueba además de 15 años mínimos de experiencia en la música. Es la segunda orquesta más importante de Rusia. Dio su primer concierto en 2006 en Moscú interpretando grandes clásicos con una duración de cuatro horas. Hoy día, es dirigida desde su fundación por Reinhard Speer.

Orquesta Real del Concertgebouw: La Orquesta Real del Concertgebouw (Koninklijk Concertgebouworkest en holandés, KCO) es la orquesta sinfónica más conocida y respetada de Holanda, y es generalmente considerada como una de las mejores del mundo. Se llama así por el Concertgebouw ("sala de conciertos" en holandés) de Amsterdam en el que ofrece sus presentaciones. El título "Real" fue conferido a partir de 1989 por la reina Beatriz. El Concertgebouw abrió el 11 de abril de 1888. La KCO, sin embargo, no fue fundada sino un poco más tarde. Dio su primer concierto en el Concertgebouw el 3 de noviembre de 1888 bajo la dirección del director principal en sus primeros siete años, Willem Kes.

Orquesta Sinfónica de Boston: La Orquesta Sinfónica de Boston es una de las orquestas sinfónicas más renombradas del mundo. Su sede es el Symphony Hall, considerada habitualmente como uno de las tres mejores salas de conciertos del mundo. La Orquesta Sinfónica de Boston fue fundada en 1881 por Henry Lee Higginson en Boston, Massachusetts. Llamó a varios directores notables, como Arthur Nikisch y Pierre Monteux , quienes dieron a la orquesta su reputación por su sonoridad "francesa" que en cierto grado persiste hasta el día de hoy. Sin embargo, fue bajo la batuta de Serge Koussevitzki cuando la orquesta se hizo muy conocida.

Orquesta Sinfónica de Chicago: La Orquesta Sinfónica de Chicago (siglas: CSO), con sede en Chicago, Illinois, es una de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo. Actualmente está en su temporada número 119. En 1891 Charles Norman Fay, un empresario de Chicago, invitó a Theodore Thomas a establecer una orquesta en Chicago. Dirigida por Theodore Thomas bajo el nombre de "Orquesta de Chicago", la orquesta dio su primer concierto el 16 de octubre de 1891 en el Auditorium Theatre. Es una de las orquestas más antiguas de Estados Unidos, junto a la Orquesta Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Boston y la Orquesta Sinfónica de Saint Louis.

Orquesta Sinfónica de San Francisco: La Orquesta Sinfónica de San Francisco (SFS, por sus siglas en inglés), con sede en San Francisco, California, es una de las orquestas más importantes de Estados Unidos por la ingeniosa interpretación de The Call of Ktulu con Metallica en 1999 y haber ganado el Premio Grammy por Mejor Interpretación Rock Instrumental. Actualmente es dirigida por Michael Tilson Thomas desde Septiembre de 1995.

Instrumento musical
Un instrumento musical es un objeto compuesto por la combinación de uno o más sistemas resonantes y los medios para su vibración, construido con el propósito de producir sonido en uno o más tonos que puedan ser combinados por un intérprete para producir música. En principio, cualquier cosa que produzca sonido puede servir de instrumento musical, pero la expresión se reserva, generalmente, a aquellos objetos que tienen ese propósito específico.

Historia

El cuerpo humano, generando sonidos por medio de las vías aéreas superioresvocales y percusivos, fue, probablemente, el primer instrumento. Sachs[1] y otros han especulado sobre la capacidad del Homo habilis de agregar sonidos de modo idiofónico a impulsos de expresión emocional motriz como la danza, empleando diversos medios como piedras, troncos huecos, brazaletes, conchas y dientes de animales.

Clasificación

Existen muchas divisiones alternativas y subdivisiones de instrumentos. Generalmente, al estudiar los instrumentos musicales es frecuente encontrarse con la clásica división de los instrumentos en tres familias: viento, cuerda y percusión. Sin embargo, debido a que esta clasificación está orientada a los instrumentos de la orquesta sinfónica, adolece de ciertas restricciones y defectos. Debido a ello, algunos musicólogos sencillamente amplían esta clasificación añadiendo hasta tres categorías adicionales: voz, teclados y electrónicos. Sin embargo, en 1914 los musicólogos Curt Sachs y Erich Hornbostel idearon un nuevo método de clasificación que, atendiendo a las propiedades físicas de cada instrumento, pretendía ser capaz de englobar a todos los existentes.Una tercera clasificación, muy seguida en el este de Asia, clasifica los instrumentos atendiendo a sus materiales de construcción: metal, madera, barro, cuero, entre otros. Pero si buscas una clasificación FACIL o, mejor dicho principal , es mejor escoger la clasificacion de viento,cuerda y percusión. VIENTO: saxofón , flauta , clarinete... CUERDA: guitarra , arpa , violín , piano... PERCUSIÓN: timbal , tambor , piano ... (recordemos que el piano es de cuerda percutida)

Clasificación de Sachs y Hornbostel

En la clasificación de Curt Sachs y Erich Hornbostel se establecen cuatro clases principales de instrumentos musicales, que a su vez se dividen en grupos y subgrupos, según el modo de generación del sonido:

* Idiófonos

Son aquellos instrumentos en los que el sonido es generado por vibración del instrumento mismo, como en el caso de los claves, campana.
Un timbal

* Membranófonos

Los membranófonos son aquellos en los cuales el sonido es generado por la vibración de una membrana, como es el caso del timbal, Conga.
Una flauta de origen paleolítico

* Aerófonos

Son los llamados instrumentos de viento, donde el sonido es generado por la vibración de una columna de aire, como en las flautas, saxo.
Un arpa celta

* Cordófonos

Son los llamados instrumentos de cuerda, donde el sonido es generado por la vibración de una cuerda, como en el caso del arpa, guitarra.

Durante el siglo XX se desarrolló un nuevo tipo de instrumento, los denominados:

* Electrófonos

Un sintetizador

En estos instrumentos, el sonido es generado por medios electrónicos, como en el sintetizador. No deben ser confundidos con los instrumentos electroacústicos, donde el sonido es generado de modo no electrónico pero modificado electrónicamente, como en el caso de la guitarra eléctrica. Teclaedro


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Sinfonía

Una sinfonía es una obra para la orquesta, de ordinario dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo, por ejemplo, las contemporáneas de Arthur Honegger son de 3 movimientos.

El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, ha crecido con el tiempo: mientras una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos es suficiente para interpretar una sinfonía de Joseph Haydn, una de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de intérpretes.

La sinfonía probablemente alcanzó su madurez con Ludwig van Beethoven. Sus sinfonías solían tener un primer movimiento Allegro de forma sonata, un movimiento lento (a veces en forma de tema y variaciones), un movimiento con ritmo ternario (usualmente un scherzo, anteriormente lo común era un minué y trío), para finalizar con otro movimiento rápido (rondó). (Existen sinfonías con un último movimiento escrito como forma sonata).

A pesar de que hasta ese momento las sinfonías eran obras puramente orquestales, la última sinfonía de Beethoven, su Novena Sinfonía concluye con un movimiento para orquesta, coro y solistas. Gustav Mahler incluiría frecuentemente coros y solistas en sus sinfonías.

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NOTAS MUSICALES Y POSICIONES EN EL SAXO

musica:es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).

MUY PRONTO MUSICA INSTRUMENTAL...